Y no solo es una travesura: es, sobre todo, memoria. Memoria enamorada de la gente que quedó atrás, de la familia, de la música que la envenenó, de los que se fueron. También un guiño, una voltereta en el tiempo, una adivinanza, un sueño, trocitos del camino recorrido, como si abriera Isabel Bayón un baúl imaginario que hubiera encontrado en la buhardilla de su memoria y hubiera empezado a sacar de dentro juguetes, libros, fotos amarillas, discos de cuando joven, quizá algún secreto personal, detalles, las pieles de todas las edades anteriores.

Cesar Rufino

Un espectáculo de ISABEL BAYÓN COMPAÑÍA FLAMENCA dirigido por ISRAEL GALVÁN

Desde la aparición de los gitanos en la cultura europea, lo sobrenatural les acompaña. La cartomancia, por ejemplo, la adivinación del futuro, fue uno de sus recursos económicos más inmediatos. Y, en fin, desde entonces lo mágico y lo gitano se conjugaron juntos.

Antes que el dju-dju o el vudú –hijos directos de la explotación colonial en Centroáfrica o en el Caribe- encarnaran el miedo hacía lo extraño, los gitanos encarnaban ese lado maldito. Y por supuesto que los gitanos llevaron también estos miedos al flamenco.

Lo mágico sigue siendo un elemento constituyente en los modos de hacer flamenco. Y es en ese mundo pantanoso en el que Isabel Bayón e Israel Galván van a perderse. Lo inquietante, lo mágico, las supersticiones, los gafes, las manías, las palabras que no pueden nombrarse, los amuletos, los ritos mágicos y los rituales cotidianos. Todo lo inasible, lo que no puede cogerse con las manos.

Se trata entonces de saber por qué apretamos nuestras barrigas cuando llega un mal presentimiento, por qué juramos con vehemencia ante un desafío, por qué llevamos nuestros bolsillos llenos de monedas y piedrecitas como si de esto dependiera nuestra suerte. Todo lo que hacemos a diario sin reflexionar y ante lo que nos paramos con miedo. La electricidad que recorre nuestro cuerpo cuando extrañamos. Malos presentimientos. Mal de ojo. El mal fario. La bají. El mal bajío. Miedo. Aprehensión. Asco. El dju-dju.

Pedro G.Romero

El diálogo con lo que perdura

Cada época impone su dictado y marca unas tendencias: quien necesite un refugio seguro puede acudir a las pautas de lo actual, seguir ese patrón que ha despertado el consenso del momento. Pero el artista genuino sabe que la creación es un ejercicio más complejo que una moda, un intento de diálogo con lo eterno y no sólo con el presente, supone asomarse a un abismo sin certezas donde no puede valer la cómoda verdad que han acuñado los otros. Isabel Bayón siempre ha bailado desde una investigación serena, ajena al ruido y a la distorsión del entorno, consciente de que no debía acoplarse al compás por el que entonces parecía moverse el mundo. Cada vez que ha pisado el escenario la bailaora se ha buscado a sí misma, y en sus coreografías han aflorado sus alegrías y miedos, una red de sentimientos demasiado complejos para ser únicamente la expresión de una etapa. Frente a lo efímero, Bayón pretende con su movimiento lo que permanece, lo imperecedero, lo que siempre hablará del ser humano y en lo que cualquier espectador, no importa la fecha, podrá seguir sintiéndose reconocido. Una obra tejida con pasión, desvelo y entusiasmo echa raíces en la vida, y aguantará por muy intenso que sea el viento que procure derribarla.

Este espectáculo reflexiona sobre el tiempo y sobre cómo éste influye en lo que hacemos. No habla sólo de la rebelión contra ese gusto voluble, esas corrientes de opinión que a veces nos arrastran, de la arbitrariedad con la que lo moderno pasa a ser antiguo, y lo antiguo, más tarde, volverá a estar en boga. Isabel Bayón se mira en el pasado para entender de este modo su presente: un creador ha de tener memoria para tener futuro, ha de avanzar desde el respeto al patrimonio que ha heredado. Este montaje conjuga piezas musicales y estéticas de ayer con una sensibilidad de hoy, y el recorrido reivindica a aquellas personalidades auténticas que fueron más allá de las convenciones: nombres como Sabicas, Paco de Lucía, Ramón Montoya y Manuel Vallejo, maestros que ensancharon con su talento los márgenes del flamenco y a los que la intérprete rinde un homenaje en esta obra. Caprichos del tiempo no se aferra a la nostalgia de que cualquier pasado fue mejor: lo que hace Bayón es proyectarse al horizonte, aunque desde un territorio intemporal, el del arte que no se rige por la inercia, el de los grandes maestros que tuvieron el arrojo de buscarse a sí mismos y tras ellos abrieron una nueva senda.

Lo fundamental. Lo básico. Lo primordial. La esencia. El fondo. El alma. Todas esas cosas es lo esencial.

Un espectáculo que está hecho sin pretensiones, sin envoltorios, sin ideas conceptuales de por medio, y permitiendo la total libertad para mostrar el flamenco que sentimos.

Haciendo un recorrido por el abecedario, desde cantiñas a martinetes, tangos, abandolaos, tientos o malagueñas. Un espectáculo concebido para espacios íntimos. El flamenco en grandes teatros amplifica su grandeza, pero creo que en los pequeños espacios se pueden experimentar otros matices, se hace vivo, se puede casi sentir el aire que mueve el mantón o la bata de cola, el aliento del que canta, apreciar las miradas, la complicidad entre los artistas, y en este caso además de admiradnos nos queremos, y eso puede ser lo importante de esta propuesta, lo esencial. Cante, guitarra y baile.

Isabel Bayón

PREMIO GIRALDILLO AL BAILE EN LA BIENAL DE FLAMENCO DE SEVILLA 2010.

Isabel Bayón sabe que en el baile no hay lenguajes diferentes cuando el mismo sentimiento hermana a creadores e intérpretes: la necesidad de expresarse, de transformar en la materia intangible del arte el cúmulo de experiencias, la voluntad de llevar al movimiento un fragmento de vida con el que el espectador pueda conmoverse. Por eso, en esta ocasión, la bailaora busca la emoción y la belleza tomando como punto de partida la mirada de otros, y presta su cuerpo versátil a la interpretación de tres coreógrafos distintos, Fernando Romero, Florencio Campos y Rubén Olmo. La premisa de la que arranca cada autor es la misma –el soneto de Miguel Hernández Por tu pie, la blancura más bailable–, aunque la libertad que ha tenido cada uno ha sido total, para que En la Horma de sus Zapatos fuera un caleidoscopio de sensibilidades diversas beneficiado de la pluralidad de sus enfoques, el desafío de una intérprete sin miedo a adentrarse en nuevos territorios.

El ejercicio de desdoblarse que emprende Bayón en este espectáculo posee también un marcado carácter sentimental: en otra parte del montaje, la sevillana dedica asimismo un cálido tributo a sus maestros, a la gente de la que aprendió y cuyos zapatos también calzó en algún momento del camino recorrido, entre los que hay referencias indiscutibles del flamenco que la bailaora conoció en una esfera íntima y a las que ella muestra su gratitud.

Pero, más allá de la apertura a otros registros y el repaso al legado de los maestros, la obra es también la historia de una afirmación. Bayón ahonda en universos ajenos para emerger de esa vivencia provista de una mayor seguridad, para mostrar al público, en una confesión final estremecedora, cómo es ella y cómo entiende la danza tras ese itinerario. Los pasos previos le han otorgado la madurez, la nítida conciencia de sí misma, y, ahora, la intérprete se encuentra en la horma de sus zapatos, dispuesta a bailar el futuro con el pleno dominio de sus recursos.

TAN SOLO FLAMENCO es un espectáculo que nos trae el recuerdo de los antiguos cuadros flamencos donde la única escenografía que encontramos son las sillas de nea de los artistas, que se mezclan con el colorido de los vestidos de Isabel, brillando bajo una hermosa luz que se mueve a compás.

«Este espectáculo es la sucesión de los distintos palos del flamenco con el que quiero desarrollar y disfrutar de mi pasión por este arte, rodeándome de personas a las que personalmente quiero y profesionalmente admiro».

GIRADILLO AL MEJOR ESPECTÁCULO FLAMENCO EN LA XIV BIENAL DE FLAMENCO DE SEVILLA

La Puerta Abierta es una puerta imaginaria por donde Isabel Bayón entra y sale para mostrar lo interno y lo externo sin complejos. Lo que pertenece al mundo de la inspiración para salir y mostrar la creación, y volver a entrar por esa puerta metafísica para encontrarse con ella misma.

Es un espectáculo donde prima la libertad del artista con una dramaturgia musical fabricada con la música del recuerdo y como único hilván narrativo las voces de Agujetas y la Piriñaca marcando esa paradoja que caracteriza al pueblo andaluz fatalista. Y como solución la exaltación de las formas para transportarnos a esa apariencia de alegría, las fiestas espontáneas donde encontramos la respuesta a la existencia.

En el escenario, sólo una voz, sólo una guitarra, solo una percusión, recreando esa música del recuerdo y convirtiéndose los músicos en recuerdos ellos mismos como figuras que pertenecen más al mundo de la ausencia, lo imaginario, como una forma de ser y nunca de estar.

«La mujer y el pelele», la obra más emblemática del escritor francés Pierre Louÿs, transcurre en Sevilla a finales del siglo XIX y narra el amor de Don Mateo por Conchita, personaje que forma parte de esa estirpe de mujeres fatales y casi diabólicas.

Una soterrada ironía, unas escenas alucinógenas, un erotismo explícito y un final abierto, que nos sugiere con humor el inacabable juego del deseo, son los recursos de los que se vale Pierre Louÿs para sacudirse lo que de trágico tiene el arquetipo.

Es ésta la historia de un juramento obstinado y engañoso:

Desde hoy hasta el día de mi muerte, no se me volverá a ver con mujer alguna. Ni detrás de ella ni delante, ni encima ni abajo.

Lo juro.
Lo juro.
Lo juro.
Lo juro.
Lo juro.

PREMIO GIRALDILLO AL MOMENTO MÁGICO EN LA BIENAL DE FLAMENCO DE SEVILLA DE 2008

La decisión de emprender un proyecto que contiene el núcleo inspirador de Tórtola Valencia obedece a varias razones que a pesar de no querer hacerlas personales si resuenan dentro de mi a veces en un sentido identificativo, y en otras por que contienen un propósito de rememorar y de rescatar del recuerdo a una mujer que en su tiempo fue figura relevante del mundo de la danza y musa de no pocos intelectuales de principios del siglo XX.

Nuestro esfuerzo no está dirigido a hacer una reconstrucción de su vida o su obra, esta encaminada a hacer una renovada propuesta de lo que fueron sus propósitos dentro de la danza, de lo que en su tiempo fueros hechos transgresores y características personales que dieron a Tórtola Valencia… el misterio.

Pensamos que la fantasía es la solución a la existencia. Y como dice José Luis Ortiz Nuevo, «la fantasía es acercarse al territorio de lo que no es y aferrarse todo para que sea».